画画压暗四周是为了突出人物或者增加光感。在绘画中，暗面相邻背景画浅，亮面相邻背景画深，像人物色调比较浅的情况，全白背景可能会把一些东西模糊掉，因此需要将压暗四周。画景物时，压暗画面四周，这样景物的光感就会更强烈。
画画是一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术，在中世纪的欧洲，人们常把绘画称作猴子的艺术。绘画，是指用笔、板刷、刀、墨、颜料等工具材料，在纸、纺织物、木板、墙壁等平面（二度空间）上塑造形象的艺术形式。
小编还为您整理了以下内容，可能对您也有帮助：
明暗在画画中到底有什么作用？
明暗关系在素描绘画里面是非常重要的组成部分，其最基本作用就是表现体积、空间关系。而明暗关系又分为五个大的层次，就是常说的：“明暗五调子”。接下来博艺北京画室老师为大家具体讲解明暗五调子：
明暗五调子包含：高光，受光面最亮的那一个点。
亮面：指受光面的高光与深灰面中间的层次。
灰面：指亮面与明暗交界线中间的层次。
明暗交界线：是指亮暗面的转折处，一般明暗交界线是最重的地方。
暗面：包含物体背光面、反光和投影。
这五个层次其实可以概括为三个层次即：亮面、灰面和暗面。当然在这五调子里面也可以分出更多更细的层次来，根据绘画的细致程度来概括区分。
我先通过正方体来解释一下物体的明暗关系。必须先要有了光才会有明暗，所以我现在假设一个光源方向。光线能照到的面叫受光面，光线照不到的地方叫背光面。背光面包括暗面和阴影，受光面包括亮面和灰面。阴影的形状跟光线的方向、物体的遮挡有直接关系。根据近实远虚的原理，靠前面尤其是靠明暗交界线的地方对比要强要清晰，后面的对比要弱要模糊。还有阴影离物体越近的地方也越黑越清楚。
我们都知道地球总是半个地球白天半个地球黑夜，接近黑夜的时候是早晨和黄昏，一般情况下中午光线最亮。画球体也一样，半个球亮半个球暗，亮部与光线垂直的位置最亮，越靠近明暗交界线的地方会越暗，而这些靠近暗部的地方叫灰面。暗部之所以不是纯黑，那是因为它也会受反光和其它环境光源的影响。
为什么画画总是明暗关系画不强烈
首先找到明暗交界线，受光区，不要画，先画背光面，你看的东西太多了，不要把所有的关系都画上去，懂得取舍。不是你不敏感，还是要观察！懂得用眼睛去看整体，不要总是局限于局部。你会越来越好的，冷暖的问题，同样也是，受光面和背光面的区别，光源的冷暖，都要包括进去，祝你越来越好！
确实是这样的 ，以我自己为例，像我在上学的那会儿在学校里面画画，开始也是感觉自己一幅画都画完了，到自己整体看自己的作品时候，总感觉有什么地方不对，没有立体，其实这就是没有把整体的明暗关系给拉出来
画画一定要该大胆则放开画，但是针对想画眼睛、鼻孔、耳朵、眉毛等其他细微的地方的时候一定要仔细。。。。。
希望对你管用
在画画时怎样才能弄好明暗关系？？？
如果你是初学者的话
可从明暗交接线找起～～
明暗交接线顾名思义是暗面和亮面交接的产物，因为亮面和暗面的强烈对比，所以明暗交界线最暗！
着手物体时先从最暗的一面开始加深其次过渡等把大色上的差不多时开始提亮
这样就可以使物体有鼓起的感觉（立体感）
怎样使暗面暗呢？？可以加深颜色进去比如群青～普蓝～墨绿～及冷颜色
怎样使亮面变亮呢？？可以加粉制较大的颜色比如白～天蓝＋白（冷色调画面时）～桃红＋白（暖色调画面时）～柠檬黄～及暖颜色
画画总是画不好，怎么办
一：多练是前提。但是我们做事要动动大脑。因为多画是画了，但是你画了一次却没有看到问题的实质也等于做了一次画画的行为艺术。所以多画得同时我们还应该用心。
二、默画，默画是让你提升图像的空间想象力和记忆力，只有在默画的基础上对比原画，你才知道问题出在素描地方。
三、对于形体的把握，你看一副作品的时候，首先先看主体的空间布局，就是它的构图，然后再根据你的纸张的大小，按比例确定你的构图。只有你先对整体有了一定的把握之后，你的局部要解决起来就容易的多了。呵呵。
关键就是用心，这是大前提！呵呵。
为什么我画素描开始铺出大关系然后用纸巾统一暗部最后画完了画面不是很干净有点糊怎么改
画面糊主要是因为明暗调子没拉开，要加深暗部，提亮明部。另外，纸巾不是随便用的，只能擦背景，或不突出的、离视线远的部分。近大远小是透视，近处清晰远模糊也是透视。千万不要用同样的力度去表现整幅画面，要突出画面中心（尤其是明暗拉开）。近处的，中心处的亮部可以用橡皮擦出来，然后用HB的笔稍微压一压。追问那怎么统一暗部？
追答为啥要统一呢？近处的暗部加强突出，要画的深而肯定；远处的背景画糊一点，明暗弱一点，可以擦一擦，弱化一下。
学彩铅，这些必须要知道！——入坑小白的绘画总结
尝试彩铅一个多月的时间，算是小小地入门了。
在这一个多月里，我画过彩铅简笔画，尝试过静物，人物画，可始终都突破不了「我是门外汉」的这个瓶颈。
很高兴的是，在这几天的摸索中，我似乎找到了一些感觉，也总结了一些教训。
激动之余，写下此文，希望对画画感兴趣，对彩铅感兴趣的，准备开启自己的手绘之旅的和我一样的初学者们，少走些不必要的弯路，节省些不必要的开销。
前一段时间画的一朵粉红玫瑰花，竟在我的手绘作品里被一次次的点赞，这让我很是惊喜。对我来说，这既是肯定也是鞭策。
在这之后，又练习了不少的彩铅画。
可慢慢地，好像陷入了一个瓶颈，看上去还不错，可又差一些感觉，问题出在了哪里？实在不知。
后来，在微博上看到了另外一朵鲜红的玫瑰花，我对自己说，要把它画下来，作为有意义的系列。
斗志昂扬地拿起了新的画笔，新的画纸，开始了打线稿，琢磨，涂色，两个多小时的战斗，总算是完成了这幅作品，不，叫做「涂鸦」。就是下面这一幅：勿喷！
很明显，黑色太多，暗淡了红玫瑰的颜色，上色太僵硬，远看还可以，近看就不行了。。。
痛定思痛，直接去找了彩铅的教学视频，下面的这一幅，上面一根香蕉是跟着视频画的，下面一根是今天自己摸索着画的。
虽然还是不太完美，但和之前的种种相比，简直好太多。
好了，前奏铺完了，该说说正题了！
一·彩铅入门，存在哪些坑？
1.工具不对，事倍功半。
我们都知道，素描有专门的纸，专门的笔，水彩有专门的纸，专门的笔。
那么彩铅呢？当然也有。
俗话说得好“磨刀不误砍柴工”，工具不对，必然花大力气，回报还不一定不令人满意。
☞彩铅就用专门的彩铅纸，彩铅笔。
必须承认，画画这事儿，蛮有挑战的，光是工具的购买，就很不简单。
一个月，我用了三种色铅笔。
第一种： 路过超市的时候随手买的一盒，平时涂鸦用的笔，也仅限涂鸦了；
第二种： 当我意识到我要画作品时，随机淘宝了彩铅，相中了 马可的48色油性彩铅 ，前面的几副都是用的马可彩铅画的，效果还是不错哒；
第三种： 强迫症迫使，希望颜色可以一模一样，特地买了一套和视频上一样牌子的笔， 三菱880的36色 ，也很不错。
一个月，我试过在四种纸上画。
第一种： 普通A4光面纸。
这一类纸适合画简笔画，或者各种卡通漫画，配着用上APP扫描王，效果杠杠的。
第二种： 16k速写簿。
这是在淘宝买文具时，店家送的，我看它那么白，封面也挺好看，就把它当起“宝”了，准备用它来完成所有的彩铅作品，没有对比就没有伤害，这一幅是这一类纸上的第一幅画。刚上色就明显感觉到，颜色上不上去，就像这样~
我以为因为这个底色本来就淡，所以才显示不明显，就没太当回事，接下来依旧用着它。
困惑之下，我仔细看了这个速写本的纸质纹路，它本身就偏亮，并且纹路很深，非常粗糙，难怪名字叫做“速写簿”。
第三种： 16k素描本。
不甘心的我，在我自己买的15块钱的素描本上开始画，素描本的纹路比速写簿的要细致一些，但也存在着缺陷： 其一，由于依旧粗糙导致涂色不细密 ，就像这个蝴蝶图片，放大了就不好看。
其二， 有些看上去很简单的颜色，其实是好多次叠色而至的， 普通的素描纸还是偏薄，涂个两层就起毛了，hold不住一层层的涂抹。
第四种： 飞乐鸟专用彩铅纸（无孔）。
显然，高质量的画某种程度上源于专业的纸。这种纸张的特点是：
第一，厚实（克数越大越好） ，不会因为无数次的涂色而损坏；
第二，更细密（越细密越好） ，涂色时不会出现坑坑洼洼的现象；
第三，手感好 ，擦起来很轻松，在这纸上的整个绘画过程也很享受，一张纸一幅作品，这促使自己更用心，想着说不定将来还会裱起来，哈哈。
2.想画好彩铅，你得知道点素描的基础知识
最最基础的当然是口中常常念叨的“三面五调了”。
三面： 白，黑，灰
五调： 高光，反光，灰部，明暗交界线，投影
3.切忌上色无规律
上色要均匀，线条要流畅，圆的就沿着圆弧画，直的就沿着直线画……不要「眉毛胡子一把抓」。
4.你看到的黑色，事实就是黑色吗？
香蕉举例：香蕉的根部看上去是黑色，对吧！如果你用黑色去涂，就会显得很生硬，不会有这种效果了。
这个根部的用色顺序大概是这样的（可以参考）： 浅灰色~土~咖啡色~紫色~咖啡色~蓝色~黑色~浅绿色~黑色~。 这才呈现了这样立体写实的视觉效果。当然，这需要通过不断的练习。
二.可是这些好难，画不好，用专业纸岂不是浪费？ 入门工具该如何选择呢？
个人觉得，练习线条，或者工笔临摹的时候，可以用素描纸，（起型铅笔的话，2B或2H就可以了）。
刚开始可以画一些小件儿，推荐两本基础书籍 《色铅笔的温情手绘》《拿笔就画》 （这两本书上的内容，就可以用普通的素描纸画）。
这些画差不多之后，可以往再高一层尝试啦~推荐书籍 《约绘时间到》 ，里面有100种小物件可以选择，当然，如果你喜欢画动物，人物，也可以选择其他的参照书籍或视频啦啦！（这个时候，对画纸要有所要求了哦，你会享受其中的）
画画的过程，对我们来说，是一个由粗糙到精致的过程，每个阶段的顺利完成，都是值得高兴的事儿，同样的，每一个瓶颈的产生，都需要我们寻找原因，找到解决办法。
如果，你和我一样，也经常遇到这些瓶颈，建议你可以检查检查自己的工具哦！
当你对自己的要求不断提高的时候，专业纸，真的不浪费！
三.最最重要的——耐心耐心耐心
你为什么上色会上成块状？是不是心急了？是不是笔没有削尖呀？是不是看到颜色像就直接上了？
要想画出美观的彩铅画，细心，耐心是必须的。我们所看到的很多颜色，都是由线条一根根排上去，一层层压上去的，而不是想象种的「涂色」。
这幅香蕉，从开始到结束，花了4个多小时才真正完成。若求写实，这只是简单的静物，要画人物就更需要时间了！
是的，我也觉得很烦，很耗时间，但如果真正喜欢，是愿意在这上面花时间的，一天完成不了，就两天，两天完成不了，就三天，一副可以以“作品”呈现的话，必然不是三两刷就出来的，这是我们必须要接受的现实，因为，我们不是大神呀！嘿嘿！
耐心地去做，你会享受那个过程，享受最终的成果。
手绘路上，我们一起精进。
希望这不太成熟的总结能对你有帮助。
end
我是萌果，95后姑娘，
愿画走心的画，写走心的文字，
咱们一起吧！
学习水彩的时候，如何正确处理画中的明暗关系？
处理起来比较容易，只要在颜料中加入不同比例的水即可。想表现明处就多加水，想表现暗处就多加颜料。
想要调出合适的色彩很容易，多在颜料中加水就能让色彩更亮，使画具有透明度；少用水多加颜料就可以调出暗色，它主要用于勾勒图形的形状，塑造立体感。下面举例说明。
首先我们要知道，只要是物体密度最大的地方，那就是阴影部分最多的地方，做暗处理。相反就做明处理。其次，要观察如果穿过物体的光线很多，那么明暗关系就是从深色逐渐转到中间色，再到最亮色，是一个渐变过程。学者可以结合使用不同明暗、模糊或清晰的线条以及投影等方式来表现物体的立体感。比如你画一朵花，阳光照在上面，花瓣展开，有不同阴暗面。你要仔细观察花瓣相接的地方，看它的阴影当中是否细微的明暗变化。因为花朵呈现出的渐变色和深色的花心是最能吸引人眼球的，你能看到周围环境与花朵的色彩形成对比，这样就能让花在纸上绽放，看起来像真的一样。第三，在处理明暗色彩比较强烈的作品时也有技巧，例如深色背景前面有一朵白色的花。此时就要观察不同层次的明暗关系，看它们是如何让物体形成立体感的。我们可以用深色硬线条画花朵的边缘，使其看起来是从中心向外延伸。同时浓烈的深色背景增强了花朵的立体感和生动性，整幅作品的基调可以由深褐、靛青、赭黄、深赭这几种颜色混合而成，画面能够呈现出很好的明暗层次。
以上就是调节明暗关系的方法，我们只要学会如何晕染就可以调整好这个关系。需要注意的是要懂得给作品留白，这样更能表现出合理的画面影像。
画水粉画为什么要暗部薄一点，亮部厚一点
水粉画颜色有较强覆盖能力，但也不能毫无顾及地随便乱涂，它有自己一定的着色方法和步骤。从着色顺序方面有如下几种：
1、从整体到局部
水粉画是色彩画的一种，它同水彩、油画一样，都是从画大色块入手。整体着眼和从大体入手是我们的作画原则，大色块和大片色，对画面色调起决定性作用，应首先画准组成画面的主要色块的色彩关系，然后再进行局部的塑造和细节刻划。
2、从深重色到明亮色
明亮色多是厚涂，一遍遍薄涂亮不起来。先画深重色，容易被明亮色覆盖；相反，一般是先画面积较大的深重色（包括暗部和明部和重色），予以确定画面色彩的骨架。逐步向中间色和明亮色推移。以明亮色为主的画面，还是要先涂明亮的大色块，颜色稍薄一点，局部小面积的深重色后加上去。如果中间色为主，作画时先涂中间色，运用并置的方法，分别向面积较小的暗色的明亮色画过去。方法不是死的，要根据情况灵活掌握。
3、从薄涂到厚画
薄涂即用水稀释颜料，如同画水彩画，根据总的色彩感觉，迅速地薄涂一遍，造成画面整体的色彩环境，尔后逐渐加厚，深入表现。薄涂比较正确的地方要善于保留，使画面色彩有厚有薄，以增加色彩有层次和厚重的效果。
水粉画颜料不象油画、丙烯颜料附着力强，可随意画厚。水粉画的厚涂要厚的适当，过厚容易龟裂脱落，所以较厚而不准的颜色应洗掉再画。
具体着色的技法应掌握下列几种：
（1）干画法和湿画法
干画法：就是说水少粉多的意思，这种画法多采用挤干笔头所含水分，调色时不加水或少加水，使颜料成一种膏糊状，先深后浅，从大面到细部，一遍遍地覆盖和深入，越画越充分，并随着由深到浅的进展，不断调入更多的白粉来提亮画面。干画法运笔比较涩滞，而且呈枯干状，但比较具体和结实，便于表现肯定而明确的形体与色彩，如物体凹凸分明处，画中主体物的亮部及精彩的细节刻画。这种画法非常注重落笔，力求观察准确，下笔肯定，每一笔下去都代表一定的形体与色彩关系。干画法也有它的缺点，画面过多的采用此法，加上运用技巧不当，会造成画面干枯和呆板。但干画法的色彩干后变化小，对于练习色彩收效较大，也容易掌握。(附图)
湿画法：此法与干画法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩画及国画泼墨的技法，也最能发挥水粉画运用“水”的好处，用水分稀释颜料渲染而成。湿画法也可以利用纸和颜色的透明来求得像水彩那样的明快与清爽。但它所采用的湿技法比画水彩要求更高，由于水粉颜料颗粒粗，就要求湿画时必须看准画面，湿画部位一次渲染成功，过多的涂抹或多遍涂抹必然造成画面灰而腻。但这种画法运笔流畅自如，效果滋润柔和，特别适于画结构松散的物体和虚淡的背景以及物体含糊不清的暗面。如发挥得当，它能表现出一种浑然一体和痛快淋漓的生动韵味。它的色彩借助水的流动与相互渗透，有时会出现意想不到的效果。为制造这种湿效果，不但颜料要加水稀释，画纸也要根据局部和整体的需要用水打湿，以此保证湿的时间和色彩衔接自然。有关湿画法的控制及实际操作运用，上述画法湿画法趁湿衔接技法，用水多，具有同水彩画渲染画法相近似的画法，表现水色淋漓滋润柔和、清新隽逸的特色。适合表现若隐若现的效果，如画风景的远景、晨雾及烟，雨景，物体的暗部，反光部。
湿画法是以薄画为主，发挥水色渗化的效果，着色遍数不宜多，甚至白色部分可以空出白纸，具有水彩画湿润流动的意趣。当然，一些局部加厚也是可以的，干湿结合会增强表现力。
步骤中已讲得很多，不再一图一细述。(附)
水粉画干湿画法的特点以及应用范围，基本上如前所述。要特别说明的是：干画法与湿画法的分界是以画笔含水量的多少来决定，一般人认为用粉及用色多了，画得厚了，就是干画法，这不准确，因为必须是粉多、色多、水少才成为干画法。也有人认为粉少、画得薄就是湿画法，这也不确切，只有稀释颜料用水多的情况下才能成为湿画法。因此，可以说有粉多的干画法，也有粉少的 干画法。与此相反，湿画法也有 粉多湿画法和粉少的湿画法。但不管干也好，湿也罢，仍然以粉使用之得当为佳，这样才不失水粉画的特点。
干画法和湿画法，二者在作画时应交叉运用，只是根据画面实际需要，有的湿画法运用多一些，有的干画法运用多一些。如果一幅画用水过多，全部采用湿画法来处理画面，就容易造成失控，使物体松散，并失去色彩光泽。同样，全部采用干画法， 靠堆积的颜色和白粉不断加厚画面，就会出现死板、干裂和颜色脱落的情况，画面也难以长期保存。总之，干、湿画法只有根据作画步骤，由湿到干、由薄到厚的顺序合理运，才能发挥干、 湿技巧的最佳效果。这是一般的作画过程所遵守的原则，真正运用还要在实践中根据画面要求灵活掌握。 决定物体颜色变化的因素是光，物体所呈现的颜色是由于该物体对光波的吸收与反射而形成的，没有光就没有色。 对物体颜色变化起决定作用的是光源色变化。这一原理，在舞台演出过程中最明显。当舞台上只出现某种有色光源的时候，所有物体的色彩都将受到这种光源色的影响而变化。日常生活中也常常遇到这种现象，如夕阳、朝霞对自然色彩的影响与改变。
条件色是指物体所处外部条件环境色彩。条件色概念的研究，主要是剖析外部环境色彩对物体本身固有色彩所造成的影响。 在一般的日光漫射正常条件下，物体的亮部色彩，一般受光源的影响，暗部色彩主要是受所处环境色彩的影响。在写生色彩中，条件色是较难把握与运用的。它直接反映出物体的色彩关系，把握了条件色的运用，也就把握住了写生色彩的一般规律。通常我们把写生色彩的观察方法，也称为条件色的观察方法。
在水粉画中，干画法一般是指厚涂重叠的方法（多笔触衔接技法）。此法可以反复地画，一遍不行再画一遍，表现对象比较充分、深刻，也宜于初学者掌握。用色较干，色量较多，用水少。运笔比较涩滞，显枯干。适合明暗强烈、转折肯定、形体结实、粗糙厚实的物象。此画法很注重用笔，每笔都要摆出一定的形体和色彩关系。因而，观察和分析要细致，调色落笔要求肯定准确。以防底色泛上来，使画面“脏”、“腻”的弊病。
在作画时趁前笔未干，后笔紧跟上，利用水的渗化使前后笔自然衔接。覆盖时用笔要轻，次数不宜太多太厚，不可来回涂改，这种厚画的画面，类似油画的效果，有浑厚之感。
（2）并置和重置
并置是笔触在画纸上并列摆置，着色遍数较少，开始用色即厚一些。如强调二度空间的画面。先用毛粗暴色线勾一下轮廓及结构，添色时用并置的方法把颜色摆上去，压出色线。
重置是一种叠色的方法，以色点、色线、色块进行重叠着色。作画大都是重置与并置结合运用，以利充分地表现对象。
厚画法：（覆盖画法）此画法接近油画的表现方法。调色时用的水分少，颜色运用较厚，覆盖力强。这种画法笔触明显、色彩强烈厚重，体积感强。所画厚色块容易产生突出的感觉。比较多用来画近景和物体受光部分。表现干枯粗糙质感也尤为适合。也可整个画面都用厚画法，也可薄厚画法同时间用，如用薄涂画底色和暗部，用厚画法画亮部，用薄画法画远景，用厚涂法画近景。
初学者应注意：不恰当的使用厚画法将水粉画当油画那样反复涂盖，使画面脏而腻。也不能使颜色堆的过分厚，以防干后脱落。
（3）干湿变化的掌握
薄画法：（透明画法）是指画面色层比较薄的画法，接近水彩画的方法。调色时笔中用水较多，画的较薄，能透纸的底纹和轮廓线出来。第一层颜色画上后，趁其还未干时画第二次色。这种画法是初学者入门的好方法。比较容易掌握物体的形和色。
水粉画的基本技法，可以单独用于一幅画中，也可根据画面需要“干”、“湿”、“薄”、“厚”同时在一幅画中结合运用，使其有丰富多变的处理方法。颜色干湿变化是水粉颜料的特性之一。将颜色涂在画纸上，湿时感觉比较恰当，干后才会发现变淡变灰一些。不了解这一特性往往给着色带来被动。掌握这一特性，事先预计干后的效果，可避免后加之色成为不协调的“补钉”。
作画时，应从薄到厚进行着色。先厚画再薄涂干湿变化大；先薄画，逐步减少用水画厚，干湿变化不明显，较易掌握。修改画面时也适合厚涂。也可在要修改的周围涂一点清水，修改的部分干后就会自然统一。
学画画的几个问题？？？？？？
你要学哪一领域的？
下面是国画学习步骤
仔细看看
从临摹入手
传统的中国画，经过长时间历史的熔治，形成了一套特有的表现程式。它是古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成的。这为中国民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。所谓程式，就是经过提炼概括而形成的一种表现样式。如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。其本身已具审美价值，不因时空关系而存在。它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造。由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹（如人物十八描中不少描法，现时已不适宜移用），而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替向前发展着。符合人的审美观点、审美标准变化发展的客观规律。
我们讲绘画有程式的表现方法，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。对于一个献身于国画事业的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。
选择临摹范本，有条件能直接对照真迹揣摩临写最为理想，但没有条件的用复制品或印刷品也是可以的。要选择艺术水平较高，有临摹价值的古今作品，用以学习掌握传统笔墨技巧，体察古人今人的用心。但对待临摹不能抱实用主义态度，一般从临摹到掌握及至应用，都有一定的距离，不可能有现成的拿来套用。任何表现技法都与其内容相适应，将描写彼时彼景的某种技法取来描绘此时此景，用适合表现古代衣着的线描来描绘现代人衣着，就会显得不协调，产生学习与应用的矛盾是必然的。那末何以要临摹古代大师的作品？一是为了体会进而掌握传统的线描程式美；二是学习古人高度概括的艺术手法，借以启发指导自己的艺术实践；三是为了培养热爱祖国丰富、优秀艺术遗产的思想感情。
面对一件临摹范本，首先进行读画。分析一下范本的技法特点，是属于苍劲刚健一路还是圆润浑厚一路，找出其笔墨有哪些规律，进而研究临本的布局以及程式因素，做到心中有数，闭目如在眼前。临画时，不可看一眼画一笔，因水墨写意画笔势连贯，虽笔断而气连，拘泥每笔皆与临本吻合，必定斤斤以形似，而忽视领略临本作者如何冶心情流动与笔墨生发寄兴对象于一炉的精神所在。我们可以照临不误以至达到乱真的地步，但这不是我们临摹学习的目的，通过临摹掌握一定的笔墨技法，仅仅依靠临得象是解决不了的。关键在于入我化境，变成自己的东西。古人的治学精神是值得今人学习的，每见一佳作，若不能面临就靠默记，并一一加以追摹，直至感到有所得而方休。只有反复细心琢磨，不如我自为我，才能从临摹中收到应有的效果。
由于中国古代人物画自元代已趋向衰落，所存画迹能供我们现时临摹学习的实在太少，现代的水墨人物画技法，需要从山水、花鸟画技法中借鉴。业余学画者，选择临本的画，不妨宽点为好，临摹基础打得越坚实越好，便于把握笔墨这一关。白描人物与工笔设色人物，素来为写意人物入门必修基础课，不容忽视，必须安排一定数量的临摹作业。只要有可能，多涉足博物馆、各类展览会，通过反复的分析比较，把自己摆进去，从中悟出学画道理来，明白自己应该学和不应该学的东西。在学习吸收期间，不可以个人的好恶来看待一切艺术品，力求从每件艺术品里得到启发，学到点东西。
认真解决造型关
要学好人物画，临摹只是学习过程中一个重要，如何解决人物造型问题才是学习道路上最难攻取的一关。我们主张现实主义艺术创作方法，就需要有坚实的造型基础，奠定一定的写实基础是必要的。讲写实，决不能曲解为见白画白，见黑画黑，不要任何艺术处理的自然主义。中国绘画是始终沿着现实主义道路发展的，文人画兴起，增加了表现主义万分，但仍不失为现实主义作为发展的基础。传统绘画主张用夸张变形的手法来加强艺术的感染力，而非不着边际以变形夸张为目的，因而能为中国人民所乐意接受。不过，在造型上过早追求夸张变形，因学养不深而带在片面性，欲攀艺术高峰恐有内功不足之虞！为此，在毕生的艺术生涯中，最初用上短暂的数年时间，屏弃好高骛远，急功求利杂念，而扎扎实实打好厚实基础，以便建起自己艺术的金字塔。
怎样提高人物造型能力？笔者的体会是，需要有个严格造型基础训练过程。就是通常所讲的要学点素描。对于学习中国画人物画要不要学素描，数年前在美术教育界曾有过争论。但莫衷一是。不主张学者认为“先入为主”不利于掌握民族传统；主张学者认为西洋素描训练方法系统科学，便于较快提高造型能力。两种观点孰是孰非，姑且不去论定。但笔者以为，学习效果好坏，方法固然重要，但更主要取决于自己的理解吸收能力，学习态度以及反映能力等主观因素。尽管学点西洋素描可能给学国画带来某种消极不利影响，然而却可以学到科学的观察方法，解剖透视知识，以及正确把握形体的方法。本着这些去学素描，就有了明确的目的性。
素描是指单色的绘画，可以用不同的工具不同的表现方法。现在，普通采用以线描为主，适当借助明暗体面，侧重分析研究形体结构的素描方法，作为学习国画人物的造型基础训练，这是比较能结合专业行之有效的训练方法。同明暗体面法塑造对象相比较，用线概括造型的难度要大得多。
笔者认为先学一阶段的明暗体面素描，掌握一定的体面塑造技能，并对此有所理解而后再逐渐过渡到用线造型，有助于将来更成熟地吸收旁系艺术营养，思路广阔，视野远大。
与此同时，经常不断地进行速写锻炼，对于学国画人物显得特别重要。勤画速写，不仅能培养敏锐的观察能力，且能提高用线的艺术概括能力。速写还对灵感与感受的生发，及至主观感情的表露，增加甚多的锻炼机会。在美术界可以发现，一个速写能力强者，其造型能力必定不是弱者。目前一些美术工作者，经常借助照相机收集创作素材，此举当然不容非议，但是，对于一个造型能力尚且薄弱之学画者，也仿照这么做，他就得不到速写所带来的良益，又如何能较快有效地提高自己的造型能力呢？愿初学者从严要求，养成随时随地勤画速写的良好习惯。
无论是画素描还是画速写，长时期面对模特儿写生，如果说有什么不利的话，莫过于作画的信赖性，画一件平常熟悉的东西，也非得对景写生不可，不相信记忆中的形象。根据写意画的特点，要求首先必须对被描绘对象的深入观察理解，牢记其组织结构，下笔方能一气呵成，画家的思想感悟，笔墨技巧才得以充分顺畅地发挥出来。如果只能面对正襟危坐的模特儿写生，注意力势必被一些表现现象所困扰、分散。从而影响技巧的施展。对此，我们历来提倡默写锻炼，以提高形象记忆能力。速写时遇到动作频繁变化是不允许看一点画一笔的，必须凭记忆画下去，对一瞬即过的形象或动作，也只有通过刻苦默记锻炼，才能逐渐捕捉下来。一次默写不正确，复又观察对照，如此往返多次印象深刻，掌握形象的结构，透视及动态规律，就更加有把握，因而创作中遇到的困难更少一些。最终才能达到徒手作写意画的目标（即不用起稿，象画写意花鸟画那样信笔拈来）。
学习的效果，进步的快慢，往往取决学习的方法和学习所走的道路。讲默写重要，就一个劲地专在默写上，记忆力是加强了，但不知久而久之，画出来的形象极有可能犯类同干瘪、不深刻的弊病。因此要同样重视现场写生作深入刻画的练习。确实有些创作能力强而又造型本领不错的青年，但不会画写生，或者能画小幅不能画大幅，显示自己的技巧容量不大。论学画，当然不可以此为满足而影响将来更上一层楼。总之，我们努力达到的目标是明确的：造型生动准确，既要具有较强的写生能力，又有默记并能自由造型的本领，以此调整安排好学习进程，高标准要求自己，去处理好慢写与速写、写生与默写的关系。
中国画的用笔用墨，在于“笔以立其形质，墨以分其阴阳”。笔到墨随，有笔必有墨。二者本不可分。但用笔好未必用墨就好，同样用墨好未必用笔也好。古人对于不甚美好的笔墨的评语，谓某“有笔无墨”或某“有墨无笔”。有时我们在评价一幅画也称其墨韵佳笔力欠蹄，就是表明笔墨两方面不能尽善尽美。由于国画对笔墨的极端重视，而笔墨二者，实际却又存在着相对的审美价值，古今在论述笔墨技法时，通常予以分别对待。为便以掌握用笔用墨的要领，在此亦按惯例加以叙述。
画漫画的一些问题
只是练习就普通白纸铅笔（可以是自动铅笔+HB铅笔）就好了，基础一定要掌握人体结构和空间透视。一步步来吧，多练习但想要进步就要不断了解才能加以改进。【有时候有审美疲劳的将画放一段时间再拿起来检查才会发现不对劲的地方，当然，也可以让朋友检查。】
【1人体方面，学会分块简化，多写生，上网查资料吧都有的，推荐去技术宅社区=-=【目标是做到人体每个角度每个表情都能画出来，当然平时就可以积累练习：在脑海里说我要画什么动作和什么人物情绪，试试看自己能不能画出效果来，过段时间就检查画面有哪里不和谐的地方，加以改进。衣服头发什么的有很多种画法，这些也许参考临摹一下别人的话会更有帮助。
【2空间透视，这个对于人体也是相关的，人体透视不合理，画得多精细也是不和谐的画面。当然背景也很重要，无论是插画漫画，画面要表达的，不外是人物环境情绪，背景可以先对感兴趣的场景多做写生，例如球场，宿舍，远景近景这些关系，还有把人物放进去也要和谐，详情要查询人物与场景的关系=-=
反正很漫长的，一点点分细练吧，其实最有效的是预先设定自己要画一幅什么感觉的画，人物，动作，场景是什么，就这幅画的细节去查资料完成，一幅一幅积累，就会找到感觉的。
PS：工具上可能还需要针管笔、沾水笔、马克笔这些定稿描线加阴影的，可以自己选择。
